Bodegones Fotográficos (Mayo 2018)

Bodegones Fotográficos (Mayo 2018) 2018-05-03T17:44:51+00:00

Después de dos años de andadura y rodaje, la Sala GAUDIA mantiene su compromiso con la cultura hecha desde y para Huelva, apostando por la FOTOGRAFÍA (con mayusculas) como medio de enlace y comunicación entre interlocutores: amantes de la imagen hablada y artistas. En esta ocasión nos atrevemos a presentar a un artista que en toda su carrera ha utilizado la pintura como medio de expresión, pero que en los últimos años ha convertido la fotografía en una herramienta de diálogo personal para sus creaciones, dejandose llevar por una intuición propia y arriesgando conceptos técnicos dentro del lenguaje visual.

Título de la Exposición: Bodegones Fotográficos

Pinto desde que era muy joven y ésa ha sido mi práctica habitual como artista. Desde hace unos diez años he incluido la fotografía como una parcela más de mi actividad creativa. En mis bodegones busco trasladar el clima de intimidad que procuro en mis cuadros abstractos. Para estas obras, de manera consciente o inconsciente, tengo presente los trabajos de autores a los que admiro y de los que tomo ejemplo: clásicos como Sánchez Cotán y Zurbarán, u otros más recientes como Carmen Laffón y la fotógrafa canadiense Laura Letinsky.

Semana tras semana, alterno en mi estudio de Castilleja de la Cuesta (Sevilla) la pintura con la fotografía de bodegones de flores, frutas y objetos domésticos. Empleo una cámara digital sencilla y me sirvo de la luz natural que entra lateralmente por el cristal esmerilado de una ventana, que va cambiando según la posición del sol con respecto a la tierra y las estaciones. Cuando la luz es suave tengo en cuenta la pintura de Vermeer. En otras ocasiones, la abro para que la claridad inunde los objetos de la mesa, creando un clima sobrio que recuerda a algunas naturalezas muertas del barroco español. En verano me traslado a La Antilla y continúo allí la serie. Un número importan de estas fotos están concebidas en Huelva. Aquí la mesa está limpia, sin mantel donde queden los restos de las flores empleadas en los bodegones anteriores; a veces, se ve la sombra de los barrotes de la ventana. Voy notando como con el paso del tiempo, en mis fotografías cada vez empleo menos elementos, dejando que sea el espacio de la habitación el que tenga poco a poco más presencia. Indudablemente, ese protagonismo lo va adquiriendo un vacío sugerente modelado por los distintos matices de luz… la misma atmósfera ensimismada que paralelamente persigo con mi pintura.

Ignacio Tovar (Castilleja de la Cuesta – Sevilla, 1947)

Nace en Castilleja de la Cuesta (Sevilla) en 1947. Su formación es autodidacta, si entendemos por ello no haber cursado estudios académicos en la Escuela de Bellas Artes. Desde muy pequeño mostró una fuerte inclinación hacia el dibujo que practicaba constantemente aunque de alejado de cualquier método Su primer acercamiento a la práctica artística metódica lo tiene como dibujante del equipo de excavaciones de Itálica, lo que le permite un conocimiento directo de materiales, objetos y restos arqueológicos del yacimiento romano. También recibirá en sus inicios orientación y consejos sobre su modo de aprendizaje como pintor del artista abstracto Manuel Salinas.

Presenta por primera vez su trabajo,(formas geométricas sobre fondos vacíos de colores planos), en 1973 en la exposición colectiva del concurso de artistas jóvenes que organizó la Galería Juana de Aizpuru. Son años en los que conoce y entabla amistad con el grupo de pintores sevillanos relacionados con esta galería, Gerardo Delgado, Juan Suárez y José Ramón Sierra, artistas de gran importancia ya que conectaron su pintura con las tendencias internacionales de la abstracción y trajeron aire fresco e información al anquilosado y conservador panorama artístico de la ciudad. De entre estos pintores será Gerardo Delgado el que más influencia tendrá en la obra de Tovar, dejándose notar ésta en su primera producción. Un año más tarde, en 1974, conocerá directamente y le impresionará sobremanera la pintura de Rothko en la Tate Gallery de Londres.

En 1977 realiza su primera exposición individual en la Galería Juana de Aizpuru y gana la beca para Jóvenes Artistas organizada por la misma Galería consistente en la estancia durante un año en la Casa de Velázquez de Madrid; a esta beca le seguirá las concedidas por el Ministerio de Cultura y la Fundación Juan March, que completarán su ya consolidada formación y orientará su producción cada vez más madura y personal hacia una abstracción en la que los campos envolventes de color y el color mismo se constituyen en elementos estructurales de la obra. De esta época datan las series 1877 y Bandas, en la que la pintura de Rothko está muy presente, y la serie L de 1979, esta última con mayor rigor conceptual y con la casi total indiferenciación de la relación figura fondo. El comienzo de los años 80 significa otro paso más en la evolución de su obra; ahora realiza sus cuadros como en la serie Málaga con espacios más condensados y construidos geométricamente. Estas series las expondrá en Madrid en su primera exposición individual en la Galería Aele y en Sevilla de nuevo en la Galería Juana de Aizpuru.

Hacia mediados de los 80 su abstracción comienza a evolucionar hacia una cierta figuración que se afianzará sobre todo tras la estancia en EE UU con la beca de la United States Information Agency (1987) y que continuará siendo base de su trabajo a lo largo de varios años, hasta prácticamente iniciado el nuevo siglo, remozándose y depuréndose constantemente con nuevos hallazgos y soluciones. Son básicamente representaciones de figuras que en un principio se destacan sobre el fondo del cuadro y que irán pasando a definirse claramente hasta ser identificables (casa, montaña, cabellera), todas con una gran carga evocadora y dotadas de un fuerte contenido simbólico. Imágenes emblemáticas del universo de Tovar recogidas en su proyecto Metamorfosis (1993) que presenta en la Fundación Cernuda

Sus trabajos recientes en torno al año 2000 toman rumbo de nuevo hacia la abstracción y aparecen los polípticos por primera vez como nuevo soporte. Ondulaciones simétricas de líneas que siguen ritmos sinuosos de gran colorido llenan toda la superficie del cuadro, son las series Aguas e Islas, y más recientemente la actual Flamenco.

Desde el comienzo de su carrera su actividad expositiva ha sido constante, junto a las numerosas colectivas en las que ha participado y entre las que destacamos por su significación y mayor proximidad en el tiempo La pintura abstracta sevillana (Fundación el Monte, Sevilla, 1998), Imágenes de la abstracción (Ministerio de Cultura, 1999) y Andalucía y la modernidad (Junta de Andalucía, CAAC, 2001). Ha realizado individuales con frecuencia, fundamentalmente en las galerías Fúcares, con la que comienza su relación en 1984, y en la sevillana Rafael Ortiz, a partir de 1988. Otras individuales de gran importancia fueron: la ya citada Metamorfosis de 1993 en la Fundación Luis Cernuda, La torre-símbolo Defensa en la Torre de los Guzmanes, La Algaba (Sevilla), en 1994, Madre Agua (realizada con el pintor portugués Pedro Calapez) en 2000-2001 en el MEIAC de Badajoz y en CAAC en Sevilla y Arqueología Vertical de 2005 y 2006, auspiciada por Caja San Fernando y comisariada por Mariano Navarro. Sus últimas exposiciones individuales son Cante y Baile en la Galería Fúcares de Madrid de 2007 y Bajabas descalza a abrirme en la Galería Rafael Ortiz en 2011. Desde hace varios años ha empezado a incorporar la fotografía a su trabajo, habiendo realizado exposiciones de bodegones en el colectivo Imagen de Fuengirola, en la escuela de fotografía Apertura de Málaga y en la Galería Rafael Ortiz en Sevilla. En 2015 ha expuesto en Madrid en el espacio R.O. Proyectos , “Pinturas y fotografía”. De octubre del año pasado a enero de este, ha expuesto en el CAC una importante exposición de pintura y dibujo con obras de 2000 a 2017 titulada “Cantándote bajito”. La última es la que se puede contemplar en estos momentos en la Sala Gaudia de Huelva.

 

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